10 dipinti imperdibili del Museo d'Orsay a Parigi

Funerale a Ornans

Gustave Courbet

1849

Pioniere del realismo francese, Gustave Courbet scelse di creare un'opera socialmente consapevole che mettesse in primo piano la classe contadina povera e diseredata. Funerale a Ornans mette sotto i riflettori le sezioni povere e arretrate della società, mentre affronta il crescente secolarismo in Francia nel XIX secolo. Gli ecclesiastici sono ritratti come esseri rozzi che danno le spalle a Cristo, che sembra essere stato ignorato dalle persone in lutto.

Bal au moulin de la Galette

Pierre-Auguste Renoir

1876

Questo quadro del Museo d'Orsay di Pierre-Auguste Renoir cattura la fiorente cultura dei caffè di Parigi negli anni 1870. La capitale non solo trasformò una città sporca in una città moderna e ben attrezzata, ma divenne anche un centro per scrittori, artisti e la classe ricca per ballare, bere e divertirsi al massimo. Il Bal du moulin de la Galette di Renoir cattura proprio questa essenza e questo spirito della città.

Cena al ballo

Edgar Degas

1879

Cena al ballo offre un commento sociale sullo status quo borghese. Questo dipinto impressionista usa una tecnica di sfocatura per evidenziare l'instabilità che esiste in questo mondo materialista e opulento. Degas usa colori vibranti per evidenziare gli abiti, i vestiti, i lampadari e altre decorazioni, ma non dà un volto alle figure umane nel dipinto. Sembra essere il suo modo di dire al mondo di non rinunciare alla propria identità per la ricchezza e il lusso.

Ninfee blu

Claude Monet

1916

Monet fu molto ispirato dalla Nymphaea, il nome botanico delle ninfee. Il quadro si concentra unicamente sullo stagno e sulle ninfee bianche che vi si trovano. Egli costruì un giardino acquatico nella sua proprietà a Giverny dove coltivava questi fiori, che alla fine diventarono la sua fonte di ispirazione per il dipinto. Non essendoci una vera e propria cornice o contorno, orizzonte, cielo, o qualsiasi dettaglio particolare visibile, il dipinto dà una sensazione di astratto e di infinito. La composizione è anche molto neutra, con pennellate libere ma forti.

Colazione sull'erba

Edouard Manet

1863

Questo è uno dei quadri più sorprendenti del museo d'Orsay. Manet era noto per essere una figura controversa nel mondo dell'arte. Le Déjeuner Sur l'Herbe (la Colazione sull'erba) fu uno dei suoi primi quadri che creò polemiche quando fu esposto nel 1863. Manet prese un riferimento classico dal Giudizio di Paride e aggiunse una notevole audacia con una donna nuda seduta tra uomini completamente vestiti. Non c'è profondità o prospettiva nel dipinto e i colori e le pennellate sono irregolari.

La spiaggia di Heist

Georges Lemmen

1891

La Spiaggia di Heist è un notevole esempio dello stile art nouveau e della tecnica originale sviluppata da Georges Lemmen sotto l'influenza di Henri Van de Velde e applicata soprattutto ai paesaggi e ai ritratti. Era anche un appassionato di divisionismo e nei suoi dipinti utilizzava tecniche ed elementi neoimpressionisti. I punti rotondi o ovali sono separati da colori complementari, mentre la nuvola bluastra sembra prendere il controllo del cielo. La barca, dipinta in viola contro un tramonto evidenziato in giallo e arancione, sembra essere l'unico segno di vita umana che esiste in questo paesaggio.

Bevitore d'assenzio

Edgar Degas

1875-76

Conosciuto in origine con il titolo di In un caffè, Il bevitore di assenzio suscitò un grande scalpore quando fu esposto alla Grafton Gallery di Londra. Questo classico dipinto a olio si presentava come un po' troppo moderno: una possibile prostituta e il suo compagno bevono assenzio (una bevanda alcolica estremamente forte) erano considerati una violazione della morale vittoriana. La composizione è alquanto potente, con il soggetto principale in posizione decentrata e uno spazio vuoto in primo piano. I toni di colore sono equilibrati su tutta la tela.

Il circo

Georges Seurat

1890-91

Questo quadro del museo d'Orsay è l'ultima opera neoimpressionista di Georges Seurat. L'opera rimase incompiuta perché Seurat morì nel marzo del 1891. I circhi erano una grande fonte di divertimento in Francia nel XIX secolo. Gli artisti e gli atti audaci da loro eseguiti ispirarono diversi artisti impressionisti e Seurat era uno di loro. Il dipinto raffigura uno dei circhi più popolari in Francia, il Cirque Fernando. È un'opera d'arte piuttosto espressiva con tratti di rosso, blu e giallo. Il clown che salta, il cavaliere che monta a pelo facendo acrobazie e il sipario che si muove in modo vertiginoso rappresentano uno straordinario movimento.

Orfeo

Gustave Moreau

1865

Orfeo, come viene descritto nella mitologia greca, era un musicista e un poeta così abile e affascinante capace di incantare anche bestie selvatiche, alberi e rocce. Sfortunatamente il suo potere non ebbe effetto sulle Menadi, che lo fecero a pezzi per aver rifiutato le loro attenzioni. Gustave, pioniere del movimento simbolista, reinventa il mito creando una scena onirica in cui una giovane donna recupera la testa di Orfeo, che si è ormai mescolata alla sua musica. Gustave era noto per l'uso di immagini provocatorie nelle sue opere: teste mozzate, uomini ultraterreni e minacciose femme fatale.

Giovane donna in giardino

Mary Cassatt 

1882

Pittrice impressionista americana e buona amica di Degas, Mary Cassatt usa una tavolozza chiara nelle sue opere. Nelle sue opere ritrae per lo più i suoi amici intimi e la sua famiglia (solitamente ritratti di donne e bambini) nell'intimità della loro vita quotidiana. Questo dipinto, chiamato anche Giovane donna che cuce in giardino, Jeune Fille au Jardin o Ragazza in giardino, è uno dei più belli e vivaci del d'Orsay. L'ambiente esterno con uno sfondo colorato e un ampio sentiero diagonale conferisce profondità al quadro. Il profilo e i lineamenti decisi della giovane donna dimostrano che l'artista la disegno con estrema dedizione.

Autoritratto

Van Gogh dipinse diversi ritratti di se stesso dal 1886 al 1889. Questo è un quadro unico esposto al Museo d'Orsay. I suoi autoritratti ritraggono il suo viaggio, le sue turbolenze emotive e il suo disagio con se stesso e con ciò che lo circonda. I motivi di questo quadro del 1887 sono simili a quelli della Notte stellata, che indica una sorta di agitazione o turbolenza. Egli combinò le influenze impressioniste con l'arte giapponese del woodblock per aggiungere un senso di fluidità al dipinto.

Creava autoritratti perché non poteva permettersi di pagare i modelli. Le forniture d'arte erano abbastanza costose. A ciò seguì il declino della sua salute mentale. Con la sua arte, Van Gogh non cercava solo di sperimentare, ma anche di capire se stesso.

Notte stellata

La Notte stellata è probabilmente uno dei più celebri dipinti di Van Gogh e del Museo d'Orsay. È un dipinto astratto, olio su tela creato dall'olandese nel 1889. Raffigura un cielo notturno vorticoso o increspato accentuato dalla luna gialla crescente e dalla luce delle stelle.

Dipinge il panorama che vede poco prima dell'alba dalla sua stanza nel manicomio di Saint-Paul-de-Mausole nella città francese di Saint-Rémy-de-Provence, che trova anche un posto nel quadro offrendo un senso di calma in mezzo alla turbolenza. Il pittore olandese trascorse circa un anno nell'istituto dopo aver tagliato parte del suo orecchio con un rasoio a seguito di un esaurimento nervoso.

Rose e anemoni

Prima di lasciare il manicomio di Saint-Rémy-de-Provence nel 1890, Van Gogh creò una serie di nature morte raffiguranti fiori recisi tra cui Rose e anemoni, che emana una sensazione alquanto distorta ma calma.

A Auvers Sur Oise, durante il suo soggiorno a casa del Dr. Paul Gachet (il suo medico omeopata che si prese cura di lui nei suoi ultimi giorni), dipinse diverse immagini di fiori nei vasi. Scrisse anche a suo fratello di come la casa fosse piena di arte, bei giardini e fiori che poteva usare per comporre nature morte.

Nel giardino del dottor Paul Gachet

Questo quadro del Museo d'Orsay fu dipinto da Van Gogh nel 1890 nel giardino del suo medico e appassionato d'arte Dr. Gachet. L'artista olandese trovava pace e felicità nei giardini, che si tratti di quello di suo padre in Olanda, del suo a Londra, di quello dell'ospedale di Arles o di quello della casa del dottor Gachet ad Auvers.

La scelta dei colori e dei motivi floreali dipendeva dal suo umore. Se era di buon umore, usava colori vivaci. Altrimenti, fiori scuri e appuntiti o foglie argentate e lucide. Van Gogh discuteva anche di idee di giardinaggio con i suoi fratelli e consigliava loro di coltivare il proprio giardino.

La siesta

Ispirato dal Riposo di mezzogiorno del pittore francese Jean-François Millet, anche questo dipinto fu creato durante il soggiorno di Van Gogh in manicomio. Egli considerava Millet "un pittore più moderno di Manet". In La siesta, si attenne alla composizione originale ma aggiunse anche il suo stile personale per quanto riguarda la tecnica, il colore e la prospettiva. Il dipinto, anche se irradia una vibrazione calma e pacifica, è testimonianza dell'intensità artistica di Van Gogh.

Mucche nel prato

Questo dipinto del Museo d'Orsay fu creato da Van Gogh nel 1883. L'opera vanta una tavolozza di colori scuri e terrosi, probabilmente suggestivi dello stato d'animo dell'artista mentre dipingeva l'opera. Mucche nel prato fu anche un tentativo di Van Gogh di riflettere la realtà e l'empatia nella sua arte.