Die 10 bedeutendsten Musée d'Orsay Gemälde in Paris

Ein Begräbnis in Ornans

Gustave Courbet

1849

Gustave Courbet, ein Pionier des französischen Realismus, entschied sich für ein soziales Werk, das die arme und unterprivilegierte Bauernklasse in den Mittelpunkt stellt. Ein Begräbnis in Ornans stellt die armen und rückständigen Bevölkerungsschichten in den Mittelpunkt und thematisiert gleichzeitig den zunehmenden Laizismus im Frankreich des 19. Jahrhunderts. Die Geistlichen werden als plumpe Wesen dargestellt, die Christus den Rücken zukehren, der selbst von den Hinterbliebenen ignoriert zu werden scheint.

Bal du moulin de la Galette

Pierre-Auguste Renoir

1876

Dieses Gemälde von Pierre-Auguste Renoir aus dem Musée d'Orsay fängt die blühende Café-Kultur im Paris der 1870er Jahre ein. Die Hauptstadt verwandelte sich nicht nur von einer schmutzigen Stadt in eine moderne, gut ausgestattete Metropole, sondern wurde auch zu einem Zentrum für Schriftsteller, Künstler und die wohlhabende Klasse, um zu tanzen, zu trinken und sich zu amüsieren. Renoirs Bal du Moulin de la Galette fängt genau diese Essenz und den Geist der Stadt ein.

Das Abendessen am Ball

Edgar Degas

1879

Das Abendessen am Ball ist ein sozialer Kommentar zum Status quo der Bourgeoisie. Dieses impressionistische Gemälde verwendet eine Verwischungstechnik, um die Instabilität in dieser materialistischen und opulenten Welt zu verdeutlichen. Degas verwendet leuchtende Farben, um die Anzüge, Kleider, Kronleuchter und andere Dekorationen hervorzuheben, aber er gibt den menschlichen Figuren auf dem Gemälde kein Gesicht. Es scheint seine Art zu sein, der Welt zu sagen, dass sie ihre Identität nicht für Reichtum und Luxus aufgeben soll.

Blaue Seerosen

Claude Monet

1916

Monet ließ sich stark von der Nymphaea, dem botanischen Namen für Seerosen, inspirieren. Das Gemälde konzentriert sich ausschließlich auf den Teich und die darin befindlichen weißen Seerosen. Auf seinem Grundstück in Giverny hatte er einen Wassergarten angelegt, in dem er diese Blumen züchtete, die schließlich seine Inspirationsquelle für das Gemälde wurden. Es gibt keinen richtigen Rahmen oder Rand, keinen Horizont, keinen Himmel oder irgendein anderes Detail, weshalb das Gemälde einen abstrakten und unendlichen Eindruck erweckt. Auch die Komposition ist sehr neutral, mit freien, aber starken Pinselstrichen.

Das Frühstück im Grünen

Edouard Manet

1863

Dies ist eines der beeindruckendsten Gemälde des Musée d'Orsay. Manet war in der Kunstwelt als umstrittene Figur bekannt. Le Déjeuner sur l'Herbe (Das Frühstück im Grünen) war eines seiner ersten Gemälde, das bei seiner Ausstellung im Jahr 1863 für Kontroversen sorgte. Manet nahm die klassische Vorlage des Urteils von Paris auf und fügte dann mit einer nackten Frau, die zwischen vollständig bekleideten Männern sitzt, eine gewisse Kühnheit hinzu. Das Gemälde hat weder Tiefe noch Perspektive. Auch die Farben und Pinselstriche sind unregelmäßig.

Strand bei Heist

Georges Lemmen

1891

Der Strand bei Heist ist ein bemerkenswertes Beispiel für den Jugendstil und die originelle Technik, die Georges Lemmen unter dem Einfluss von Henri Van de Velde entwickelte und vor allem auf Landschaften und Porträts anwendete. Er war auch ein Anhänger des Pointillismus und verwendete neoimpressionistische Techniken und Elemente in seinen Gemälden. Die runden oder ovalen Punkte sind durch Komplementärfarben getrennt, während die bläuliche Wolke den Himmel zu übernehmen scheint. Das lila Boot vor einem gelb-orangefarbenen Sonnenuntergang scheint das einzige Zeichen menschlichen Lebens in dieser Landschaft zu sein.

Der Absinth

Edgar Degas

1875–76

Ursprünglich unter dem Titel In einem Café bekannt, erregte Der Absinth großes Aufsehen, als es in der Londoner Grafton Gallery ausgestellt wurde. Dieses klassische Ölgemälde wirkte ein wenig zu modern - eine mögliche Sexarbeiterin und ihr Kumpel, die Absinth (ein extrem starkes alkoholisches Getränk) trinken, galten als Verstoß gegen die viktorianische Moral. Die Komposition ist sehr kraftvoll, mit dem Hauptmotiv im Off-Center und einem leeren Raum im Vordergrund. Die Farbtöne sind auf der gesamten Leinwand ausgewogen.

Der Zirkus

Georges Seurat

1890–91

Dieses Gemälde des Musée d'Orsay ist das letzte neoimpressionistische Werk von Georges Seurat. Es blieb unvollendet, da Seurat im März 1891 starb. Der Zirkus war im 19. Jahrhundert in Frankreich eine wichtige Unterhaltungsquelle. Die Artisten und ihre waghalsigen Darbietungen inspirierten mehrere Künstler des Impressionismus. Seurat war einer von ihnen. Das Gemälde zeigt einen der beliebtesten Zirkusse Frankreichs – den Cirque Fernando. Es ist ein sehr ausdrucksstarkes Kunstwerk mit roten, blauen und gelben Farbtupfern. Es zeigt auch viel Bewegung mit dem springenden Clown, dem Reiter, der Akrobatik betreibt, und dem Vorhang, der sich schwindelerregend bewegt.

Orpheus

Gustave Moreau

1865

Orpheus, so heißt es in der griechischen Mythologie, war ein so geschickter und charmanter Musiker und Dichter, dass er auch wilde Tiere, Bäume und Felsen verzaubern konnte. Unglücklicherweise bezauberte er die Mänaden, die ihn wiederum in Stücke rissen, weil er seine Annäherungsversuche zurückwies. Gustav, ein Pionier des Symbolismus, erfindet den Mythos neu, indem er eine träumerische Szene entwirft, in der eine junge Frau den Kopf von Orpheus wiederfindet, der sich nun mit seiner Musik vermischt hat. Gustav war bekannt dafür, in seinen Werken provokante Bilder zu verwenden – abgetrennte Köpfe, unheimliche Männer und bedrohliche Frauen.

Junges Mädchen im Garten

Mary Cassatt 

1882

Die amerikanische impressionistische Malerin und gute Freundin von Degas, Mary Cassatt, verwendet in ihren Werken eine helle Farbpalette. In ihren Werken stellt sie meist enge Freunde und Familienangehörige (in der Regel Porträts von Frauen und Kindern) in der Privatsphäre ihres täglichen Lebens dar. Jeune Fille au Jardin oder Junges Mädchen im Garten, auch Frau, die in einem Garten näht genannt, ist eines der schönsten und lebendigsten Orsay-Gemälde. Die Freiluftkulisse mit dem farbenfrohen Hintergrund und dem breiten, diagonalen Weg verleiht dem Gemälde Tiefe. Die klaren Umrisse und Gesichtszüge der jungen Frau zeigen, dass der Künstler auf eine gute Zeichnung bedacht war.

Selbstbildnisse

Van Gogh malte zwischen 1886 und 1889 mehrere Porträts von sich selbst. Das hier ist ein ikonisches Gemälde, das im Musée d'Orsay ausgestellt ist. Seine Selbstbildnisse zeigen seine Reise, seine emotionale Aufgewühltheit und sein Unbehagen mit sich selbst und seiner Umgebung. Die Muster dieses Gemäldes von 1887 ähneln denen der Sternennacht und deuten auf eine Art Aufruhr oder Turbulenz hin. Er hat impressionistische Einflüsse mit dem japanischen Holzschnitt vermischt, um dem Gemälde ein Gefühl von Fluidität zu verleihen.

Er schuf auch Selbstporträts, weil er kein Geld hatte, um Modelle zu bezahlen. Kunstzubehör war teuer genug. Dieses Bild zeigt seine abnehmende geistige Gesundheit. Es ist nicht nur ein Experimentieren mit seiner Kunst. Es scheint eher ein Versuch van Goghs zu sein, sich selbst zu verstehen.

Sternennacht über der Rhone

Sternennacht über der Rhone, wahrscheinlich eines der berühmtesten Gemälde van Goghs und des Musée d'Orsay, ist ein abstraktes Gemälde in Öl auf Leinwand, das der Niederländer 1889 schuf. Es zeigt einen wirbelnden oder sich kräuselnden Nachthimmel, akzentuiert durch die gelbe Mondsichel und das Licht der Sterne.

Er malte die Aussicht, die er kurz vor Sonnenaufgang von seinem Zimmer in der Anstalt Saint-Paul-de-Mausole in der französischen Stadt Saint-Rémy-de-Provence aus sah, die auch einen Platz in dem Gemälde findet und ein Gefühl der Ruhe inmitten der Turbulenzen vermittelt. Der niederländische Maler verbrachte etwa ein Jahr in der Anstalt, nachdem er sich nach einem Nervenzusammenbruch mit einem Rasiermesser einen Teil seines Ohrs abgeschnitten hatte.

Rosen und Anemonen

Bevor er 1890 die Anstalt in Saint-Rémy-de-Provence verließ, schuf van Gogh eine Reihe von Stillleben mit Schnittblumen, darunter Rosen und Anemonen, die eine sehr verzerrte und doch ruhige Stimmung ausstrahlen.

Er malte mehrere Bilder von Blumen in Vasen während seines Aufenthalts im Haus von Dr. Paul Gachet (seinem homöopathischen Arzt, der ihn in seinen letzten Tagen pflegte) in Auvers Sur Oise. Er hatte seinem Bruder auch geschrieben, dass das Haus voller Kunst, schöner Gärten und Blumen war, die er für seine Stillleben verwenden konnte.

Im Garten von Dr. Paul Gachet

Dieses Gemälde aus dem Musée d'Orsay wurde von van Gogh 1890 im Garten seines Arztes und Kunstliebhabers Dr. Gachet gemalt. Der niederländische Künstler fand in Gärten Ruhe und Glück, sei es im Garten seines Vaters in den Niederlanden, in seinem eigenen in London, im Garten des Krankenhauses von Arles oder im Garten des Hauses von Dr. Gachet in Auvers.

Die Wahl der Farben und Blumenmotive hing von seiner Stimmung ab. Wenn er gut gelaunt war, verwendete er helle Farben. Wenn nicht, dann dunkle, stachelige Blumen oder silbrig glänzende Blätter. Van Gogh diskutierte auch mit seinen Geschwistern über Gartenideen und empfahl ihnen, ihren eigenen Garten anzulegen.

Die Meridianlinie

Dieses Gemälde wurde von der Mittagsruhe des französischen Malers Jean-François Millet inspiriert und entstand ebenfalls während van Goghs Aufenthalt in der Anstalt. Er hielt Millet für „einen moderneren Maler als Manet". In Die Meridianlinie hat er sich an die ursprüngliche Komposition gehalten, aber auch seinen eigenen Stil in Bezug auf Technik, Farbe und Perspektive hinzugefügt. Obwohl das Gemälde eine ruhige und friedliche Atmosphäre ausstrahlt, ist es ein Zeugnis für van Goghs charakteristische künstlerische Intensität.

Kühe auf einer Wiese

Dieses Gemälde aus dem Musée d'Orsay wurde von van Gogh im Jahr 1883 geschaffen. Das Kunstwerk zeichnet sich durch eine erdige und dunkle Farbpalette aus, die möglicherweise auf die Stimmung hinweist, in der sich der Künstler beim Malen des Werks befand. Kühe auf einer Wiese war auch ein Versuch van Goghs, Realität und Empathie in seiner Kunst widerzuspiegeln.